Exposition Mondes et Merveilles du dessin animé
Grimault, Takahata, Miyazaki (2008)

De 28 juin au 16 novembre 2008, l’abbaye de Fontevraud (49), haut-lieu culturel et historique où se trouve la nécropole royale des Plantagenêt, a accueilli l’exposition Mondes et Merveilles du dessin animé, Grimault, Takahata, Miyazaki.

Pour les connaisseurs du Studio Ghibli et de l’animation en général, le lien entre l’œuvre de Paul Grimault d’une part et celles de Miyazaki et Takahata d’autre part semble évident. Les amateurs connaissent l’affection particulière qu’ont les deux réalisateurs japonais pour le film La Bergère et le Ramoneur (qui deviendra ensuite Le Roi et l’Oiseau).

Cependant, l’exposition ne se contente pas de mettre en avant ce lien affectif et de retracer une cinématographie linéaire du parcours des trois réalisateurs. Elle permet surtout de comprendre que ces trois artistes ont une approche particulière du rapport entre dessin animé et réalité et que chacun a su développer une dimension politique et parfois même revendicative et engagée du merveilleux.

Scénographie

L’exposition s’ouvre tout d’abord sur l’œuvre de Grimault, où l’on s’attable à un charmant café parisien des années 30, reconstitué pour l’occasion. Des extraits vidéo et des photos d’époque nous retracent sur fond de Front Populaire les amitiés de Grimault avec Jacques Prévert, appartenant au fameux Groupe Octobre. Lors des grèves et autres manifestations populaires, cette troupe, proche du parti communiste français,  se produisait dans la rue afin de diffuser les idées marxistes.

Grimault n’appartenait pas à ce groupe mais fréquentait donc régulièrement ce milieu bouillonnant d’idées révolutionnaires. Il fait d’autres rencontres artistiques : Django Reinhardt, George Meliès, Marcel Carné,… C’est à cette période qu’il réalise des films publicitaires avec comme support le dessin animé. En 1936, il fonde avec André Sarrut la société Les Gémeaux, qui réalise des films et des annonces publicitaires. La guerre éclate et fait cesser tout travail. En 1940, Grimault est démobilisé et reste sur Paris, alors que Sarrut est prisonnier en Allemagne.

En 1942, il réalise deux courts-métrages, L’épouvantail et Le voleur de para-tonnerre, dont des extraits et des esquisses sont visibles ici. On découvre un Paul Grimault déjà fasciné par les envolées sur les toits, présageant celles du ramoneur dans Le roi et l’oiseau, et démontrant une virtuosité de mise en scène pour les scènes vertigineuses.

Le Petit soldat, film d’animation de 1947, est le premier travail commun de Grimault et Prévert, sur une musique de Kosma, dont nous découvrons des extraits, des croquis, des story-boards. Ce court métrage, inspiré d’un conte d’Andersen raconte l’histoire tragique de deux jouets vivants, un soldat de plomb blessé et une poupée de son, leur histoire d’amour étant rendue impossible à cause d’un diable sorti de sa boîte, ayant volé la clé servant à remonter le cœur du petit soldat. Poétique, lyrique et émouvant, le court-métrage remporte de nombreux prix et est un magnifique prélude au film le plus connu du duo Grimault-Prévert, Le Roi et l’Oiseau.

Pour ce dernier, on retrouve le scénario aussi émouvant que lyrique de Prévert, la poésie visuelle de Grimault, son attrait pour la verticalité de la mise en scène et les scènes de vols. Mais on aborde également l’aspect engagé des deux auteurs, qui dénoncent ici le fanatisme et le danger du roi-tyran Charles V et III font huit, l’obéissance sans discernement de la police au service de la dictature, et enfin les méfaits de la guerre.

Nous découvrons ensuite d’autres extraits et d’autres travaux préparatoires des films de Grimault, comme le court-métrage engagé La faim dans le monde, retraçant l’histoire de l’humanité et dénonçant l’inégalité croissante entre les pays riches et les pays pauvres. On peut également visionner un extrait de La Table Tournante, le court-métrage Le fou du Roi. On retrouve le trait de Paul Grimault, le personnage du roi évoquant irrésistiblement celui du Roi et l’oiseau.

Nous abordons ensuite la découverte de La Bergère et le ramoneur par Isao Takahata et Hayao Miyazaki. Le film a été diffusé au Japon dans les années 50, ce dont témoignent les nombreuses affiches japonaises de l’époque présentées. L’impact de l’œuvre sur les deux réalisateurs est clairement visible à travers la découverte de scripts de l’époque, de dessins et de notes, notamment d’Isao Takahata. En effet, le réalisateur, aux côtés de Yasuo Ôtsuka, s’est pris véritablement de passion pour l’œuvre, alors qu’il était étudiant au point qu’ils feront des story-boards complets du film, des traductions des textes, des annotations, des esquisses,… C’est ce film qui servira de déclencheur pour Takahata, qui comprendra dès lors que l’animation permet de représenter le réel tout en permettant une liberté de mise en scène inédite. Grâce à l’influence du réalisateur japonais, le film sera distribué au Japon en 2006 sous le label Ghibli.

La visite se poursuit à travers le visionnage d’extraits des œuvres de Miyazaki et de Takahata, de Horus au Château ambulant, ainsi que des reproductions d’esquisses et d’images, mais aussi de splendides dessins d’origine encore jamais vus en France, du Château de agliostro au Voyage de Chihiro en passant par Nausicaa de la vallée du Vent.

Il est intéressant de noter chez Miyazaki deux points communs fondamentaux avec Grimault. Tout d’abord, on constate des clins d’œil flagrants concernant la mise en scène. Par exemple, Le château de Cagliostro évoque irrésistiblement les scènes verticales de Grimault. De même la poésie visuelle des scènes d’envol, sans être un hommage, dénote tout de même un regard relativement similaire quant à l’imagerie poétique. Quant au message engagé, il est évident que le discours sur l’environnement de Miyazaki n’est pas sans évoquer le court-métrage La Faim dans le monde.

Mais le parallèle le plus significatif est sans conteste celui qui unit la vision du cinéma d’animation de Paul Grimault à celle d’Isao Takahata. Ce dernier a eu une véritable révélation quand il a découvert le travail de Paul Grimault. Le cinéma d’animation devient alors à ses yeux le moyen idéal pour signifier le réel tout en permettant une mise en scène que le cinéma en prise de vues réelles ne peut alors proposer. De plus, on retrouve dans les deux œuvres une certaine distance prise entre les personnages et le spectateur. Le but n’est pas forcément d’émouvoir ce dernier mais de le faire réfléchir. Selon les commissaires de l’exposition, on retrouve en fait la dimension brechtienne de l’œuvre, à savoir une nécessaire prise de distance entre l’histoire et le spectateur/lecteur. Les nombreuses mises en abîmes visibles dans les films de Isao Takahata seraient ainsi, par exemple, un moyen de rappeler au spectateur qu’il n’est pas dans mais en dehors du film.

Loin d’être une présentation anecdotique et chronologique des œuvres des trois réalisateurs,  cette exposition permet de donc de réfléchir vraiment à la portée des films d’animation, leur manière de transcender le réel, tout en portant un message revendicatif et engagé bien ancré dans notre réalité. En résumé, il s'agit d'une très belle exposition, instructive et passionnante, dont on peut juste regretter l'absence de catalogue.

Interview de Xavier Kawa-Topor